De ritmo vertiginoso y altas dosis de humor negro, los afanes de la compañía se veían en entredicho cuando una carta les anunciaba que el gobierno había erradicado la pobreza, los mapuches habían conseguido la autonomía y el modelo se exportaba a Africa. Ganadora del Festival de Teatro Joven de Las Condes en 2011, presentada el 2012 en Santiago a Mil y con giras por España, Italia, Estonia y Brasil, instaló el nombre del colectivo dirigido por Marco Layera como uno de los grupos emergentes más notorios de la escena teatral del país.

Por ello, la nueva obra de La Re-Sentida, "La imaginación del futuro", que hoy subirá a escena por primera vez en Matucana 100, es esperada con expectación. Siguiendo la línea político-paródica del montaje anterior, el montaje pone en escena las últimas horas de Salvador Allende desde una delirante y ucrónica ficción. 

"El argumento es una anécdota donde ministros contemporáneos con ideologías de hoy se retrotraen en la historia y van a asesorar a Salvador Allende en ese momento de crisis", señaló hoy el director Marco Layera. "En La imaginación del futuro se da un juego de contraposición entre "un idealista" como Allende y una clase política actual "más pragmática y sin ideología", agrega. 

Estos ministros de hoy que viajan a la década de los setenta juegan "con distintas estrategias" para salvar el gobierno del presidente socialista (encarnado por José Soza) y evitar la llegada de la Dictadura Militar. 

"Al final deciden realmente hacerlo renunciar porque entienden que si Allende renuncia, que es la única vía posible, nos evitaríamos 17 años de dictadura militar, todas las violaciones de los derechos humanos y hasta el peso que hasta hoy mantiene la Dictadura" en la sociedad chilena, indicó el director. 

Los ministros le cuentan el futuro a Allende, "que no es como él soñó", que a diferencia de lo que dijo en su último discurso -que "la historia la hacen los pueblos" y que "otros hombres superarán estos días grises"-; esto no fue así, pues "los días grises nadie los superó". 

"Después de su muerte vino una dictadura feroz y le vamos a contar también que al parecer la historia no la hacen los pueblos. Todo desde un lado muy pesimista", manifestó Layera. 

"La imaginación del futuro" recibe este nombre porque según su creador lo que están tratando de hacer actualmente los "movimientos sociales" es lo que intentó Allende durante su mandato y que acabó con un golpe de Estado. 

"Esperamos que sea una obra provocadora, estimulante, que se pueda reflexionar, entretener. Hay gente que se puede parar e ir. En algún momento alguien nos puede gritar algo. Estamos expuestos a trabajar eso, eso es lo interesante", manifestó.

"La imaginación del futuro" es parte del ciclo Teatro Hoy, y es una coproducción de Fundación Teatro a Mil con Teatro La Re-Sentida.

Matucana 100

Del 17 de mayo al 2 de junio

Jueves a Sábado a las 20:00 hrs. Domingo 19:30 hrs. 

Entrada General: $2.000

Entradas en Boletería M100 y por Ticketek

Dirección: marco Layera

Elenco: José Soza, Carolina Palacios, Benjamín Westfall, Carolina dela Maza, Diego Acuña, Pedro Muñoz, Benjamín Cortés, Ignacio Fuica.

En un país algo magullado por la crisis económica y durante un día que además se vistió de lluvias y truenos, la superproducción con Leonardo DiCaprio celebra la explosión de dinero y el capital, la abundancia de recursos y la vida fácil. Es, como era de esperar, mucho más superficial que la novela de Scott Fitzgerald en que se inspira, pero en algún momento respira algo de la tragedia del libro. En un momento, medio mundo en la película va en picada emocional, y ese costado lo haría parecerse a la Francia de hoy, un país que de acuerdo a un estudio oficial tiene a su población con un altísimo nivel de depresión y cuyo Presidente, François Hollande, anda por el 74 por ciento de desaprobación.

Pero el director del festival, Gilles Jacob, y su delegado general, Thierry Fremaux, saben qué píldora dar al enfermo, y por eso El gran Gatsby llegó para abrir el festival. En momentos de crisis, la gente suele refugiarse en el cine, y una buena gran mentira de Hollywood puede ser un gran antidepresivo. El gran Gatsby, que trajo a Cannes a su director y a todo el elenco, es una gran fiesta audiovisual que sirve para olvidarse de la miseria. No por nada el filme se estrenó ayer además en toda Francia.

¿Cuál es El gran Gatsby que propone Baz Luhrmann? ¿Uno de tragedias y sueños rotos de neón? ¿O uno de bailes adictivos y sólo superficie? No es lo uno ni lo otro, sino todo lo contrario. Tal como ayer lo declaró en la conferencia de prensa tras la proyección, su intención fue permanecer fiel al espíritu general de la novela de Francis Scott Fitzgerald. Que lo haya conseguido es otra cosa.

La cinta, que se estrenó en EE.UU. el fin de semana con críticas mezcladas y recaudó US$ 51 millones, posee el suficiente vértigo y frenesí como para emparentarla con el trasfondo histórico en que el autor americano situó el auge y caída de su héroe. Es decir, los furiosos años 20. Sin embargo, el mito del sueño americano, tan presente en la novela, no se aprecia en el filme.

El gran Gatsby es antes que nada una película inconfundiblemente ligada a su director: puro Baz Luhrmann, para bien o para mal. Bailes, música, fiestas, colores fuertes y una imagen deliberadamente artificial. Además el 3D le da a todo el efecto de ser triplemente desproporcionado. Bajo aquella capa de maquillaje no hay demasiada alma, a pesar de que las actuaciones de Leonardo DiCaprio, como Jay Gatsby, y Carey Mulligan, en el rol de Daisy Buchanan, no decepcionen. Cuando Gatsby da sus grandes fiestas para divertir a la fauna de Nueva York, la película brilla. Es lo que Baz Luhrmann mejor hace siempre. Cuando el misterioso millonario corre por las calles de Manhattan en su descapotable amarillo, el filme satisface. El director filma las carreras como nadie.

Pero cuando Gatsby le habla a Daisy acerca de recobrar el viejo lazo afectivo o se enfrenta a su rival, Tom Buchanan, todo cae bajo el nivel del melodrama de segunda. Luhrmann nunca ha sido bueno en los diálogos, y una película que se basa en una obra capital de la narrativa debería al menos tener algunos para recordar.

La historia de este millonario enigmático tiene en manos del realizador australiano una curiosa vuelta de tuerca: Nick Carraway (Tobey Maguire), el narrador y amigo de Gatsby, es más que un simple espectador de la tragedia. También es protagonista, y su vida es salpicada por los problemas de Gatsby y los Buchanan. A diferencia del libro, acá Carraway es un personaje con pasado y futuro evidentes, y en un momento la depresión lo lleva a caer en un hospital siquiátrico. En esa institución, un doctor lo insta a escribir. Puede ser una página o puede ser una novela. Carraway opta por lo último y la titulará El gran Gatsby.

Steven Spielberg, que este año es el presidente del jurado, llegó al aeropuerto de Niza por la entrada común y corriente. Nada de salones VIP ni salidas secretas que despistan a periodistas, paparazzi y fanáticos. Pasó por policía internacional, recogió su equipaje y finalmente, de jockey y bufanda, apareció por la puerta principal del aeropuerto. Firmó autógrafos, respondió consultas y dijo, con claridad: “Estoy realmente muy entusiasmado con todo esto. Es un honor ser presidente de este jurado y, sobre todo, estoy muy feliz de poder ver buenas películas”.

Spielberg, como su amigo Martin Scorsese, es un cinéfilo. Un coleccionista afiebrado de películas, bandas sonoras y también promotor de la restauración de viejos filmes. Sin embargo, a diferencia del realizador de Toro salvaje, sus gustos no parecen ser tan amplios por lo que se hace en los cinco continentes. A Spielberg siempre le interesó la filmografía más clásica de Hollywood: John Ford, Alfred Hitchcock o David Lean. Por eso, y porque este festival tiene ocho películas estadounidenses, la sensación ambiental es que Cannes 2013 será un encuentro inclinado hacia EE.UU.

En el jurado, además, participan Nicole Kidman, Christoph Waltz y Ang Lee, nombres ligados al cine de Hollywood. Si a estos datos en la mesa se agrega que el año pasado la película ganadora fue la austríaca Amour, se especula que Spielberg y sus amigos podrían darle la Palma de Oro a algún compatriota.

A primera vista, la película que luce más es Inside Llewyn Davis, de Joel y Ethan Coen. Es un filme americano hasta la médula: tiene a Justin Timberlake, habla del movimiento musical folk en Nueva York en los años 60 y se basa en las memorias del cantante Dave van Ronk, símbolo de la contracultura del Greenwich Village en su momento. Sin embargo, los hermanos Coen ya obtuvieron la Palma de Oro en 1991 por Barton Fink.

Desde esa óptica, uno de los favoritos es Alexander Payne (Los descendientes, Entre copas), quien nunca ha ganado acá, a pesar de ser un nombre conocido en el festival: en el 2002 participó con Las confesiones del señor Schmidt y el año pasado integró el jurado. Ahora participa con Nebraska, cinta donde el actor Bruce Dern interpreta a un anciano con problemas de alzheimer, quien se escapa una y otra vez de su casa para ir a cobrar un premio de lotería en el estado vecino de Nebraska.

Con tantas posibilidades como Payne figura el neoyorquino James Gray, suerte de heredero de Francis Ford Coppola y autor de The yards, Los dueños de la noche y Los amantes. Las tres películas se estrenaron en Cannes con grandes críticas, pero sin premio. Ahora está con The immigrant, la historia de una polaca que llega a EE.UU. y es explotada por un proxeneta.

Otro estadounidense es Steven Soderbergh, quien trae Behind the candelabra, basada en el romance tardío del pianista y showman Liberace (Michael Douglas) con un muchacho de 17 años (Matt Damon). La carrera de Soderbergh despegó acá cuando ganó, en 1989, con Sexo, mentiras y video.

A última hora quedó en competencia Jim Jarmusch, un viejo representante del cine independiente que nunca ha obtenido un premio mayor en Cannes. Se presenta con Only lovers left alive, un filme de vampiros contemporáneos con Tilda Swinton.

El otro cine americano

Dentro de la sección Cannes Classics, uno de los eventos más esperados es la exhibición de una versión restaurada de Cleopatra, de Joseph L. Mankiewicz, que reunió por primera vez en pantalla a Elizabeth Taylor y Richard Burton. La película, que cumple 50 años, será exhibida el 21 de mayo y estarán los hijos de Taylor y Burton.

El festival también prepara un homenaje a Jerry Lewis, quien con 87 años acaba de protagonizar el filme Max Rose. La cinta se presentará en un programa doble, que incluye la exhibición de su clásica comedia El terror de las chicas. A nivel de películas fuera de competencia destacan Seduced and abandoned, documental de James Toback que contiene entrevistas a directores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Roman Polanski. Otro filme de no ficción esperado es Ali’s greatest fight, de Stephen Frears, acerca de la negativa de Muhammad Ali de ir a la Guerra de Vietnam.

Los nueve cuentos que componen Así es como la pierdes recorren la vida de Yunior -el alter ego que nace en su debut literario Los boys- en distintos espacios de tiempo, dibujando a un inmigrante dominicano en New Jersey, hijo segundo de una familia abandonada por un padre mujeriego y violento, con un hermano mujeriego y violento que muere de cáncer y una madre que ama más a su primer hijo y lo trata con dureza. Es el esqueleto que el lector arma mientras el drama corre por aparentes otros derroteros. Yunior es inevitablemente infiel, destruye todo amor verdadero a su paso y dinamitar confianzas y afectos. Una verdadera adicción que, según el autor, “no te curas, solo puedes gestionarlas”.

Con esos elementos, Díaz compone un libro lleno de humor y drama, con un lenguaje de musicalidad spanglish caribeña y una dulzura que dibuja lo que, según dice, ha sido “el tema de los últimos tres libros: cómo los hombres se evitan conocer a ellos mismos”.

“Mi papá fue un cuero, uno de esos hombres que siempre tuvo muchísimas novias. Estaba casado con mi mamá, vivía en nuestra casa y todos los niños sabíamos que tenía novias. A veces inventaba diligencias para presentarnos a mí y mis hermanos a su novia nueva. Yo, con 9 años y llegando a la casa de una mujer ajena y mi papá presentando ‘esta es mi novia nueva’. Para un niño eso es traumático”, cuenta Díaz tras su paso por Barcelona para presentar el libro.

“Me di cuenta por un lado lo locos que son los hombres, y por otro, esa fiebre que es la masculinidad. Y más importante en una cultura como la dominicana en New Jersey, es ese privilegio que tienen los hombres. Mi papá podía andar haciendo y deshaciendo y no lo ocultaba mucho. Imagínate que la Doña (la esposa) estuviera haciendo lo mismo, la cultura no la apoya ni la ayuda”, dice a La Tercera.

Según el autor, la infidelidad masculina encierra algo más: “Conozco el nivel de defectos que tiene un hombre por la cantidad de culos que trata de tragarse. Es sumamente interesante la idea de que el hombre está evitando algo, que la masculinidad, como nosotros la hemos estructurado, no deja que el hombre se conozca a sí mismo”.

Hijo de un miembro de la policía militar de Trujillo, Díaz migró junto a su familia a New Jersey a los 8 años. “El trauma del trujillato es una clave para entender la sociedad dominicana. No había base militar que no tuviera cinco barberos. Cada vez que Trujillo quería acabar con alguien, ellos publicaban en los periódicos: ‘Vi hoy a fulanito andando en la calle mal recortado’. Esa era la primera señal que te iban a joder. En una cultura sumamente militar es muy importante el pelo, las uñas, tu uniforme, los zapatos, la correa. Esa enfermedad todavía está muy presente en Santo Domingo”.

La literatura de Junot Díaz está anclada en la comunidad dominicana tanto en EE.UU. como en el Caribe y la relación de ambas regiones. “Para EE.UU., el Caribe es casi un sueño y como dice Hakim Bey, funciona como una zona autónoma donde pueden hacer lo que les da la gana. En Puerto Rico tienen un reguero militar, en Santo Domingo a toda la gente de la DEA para dizque combatir las drogas. Es como el gimnasio para los gringos: lo que van a practicar a nivel mundial, primero lo hacen en el Caribe. Por ello que el resort es clave para ver cómo está funcionando el capitalismo. Tú no más tienes que irte una semana a un resort dominicano y verás cuáles son los sueños del primer mundo: incansable comida malísima, cuerpo de mulato disponible, playa, sol y ron baratísimo. Y para mí eso es como un espejo, por un lado tenemos los resorts, por el otro las bases militares. Y también los malls”.

La noticia llega como un balde de agua fría, pues "Jurassic Park 4" contaba ya con el director Colin Trevorrow ("Safety Not Guaranteed") en la dirección e incluso tenía fecha de estreno para el verano (boreal) de 2014.

Según el comunicado enviado ahora por los estudios, el proyecto necesita algo más de tiempo para su desarrollo.

Han pasado ya más de diez años desde que llegó a los cines "Jurassic Park 3", que ya no contó con su creador, Steven Spielberg, en la dirección. En los 90’, Spielberg revolucionó la taquilla con el estreno de esta aventura entre dinosaurios y su aplaudida continuación, "Jurassic Park: El mundo perdido".

Con todo, Universal sigue comprometido con el proyecto: "No podríamos estar más emocionados sobre la visión que Colin Trevorrow ha creado para esta película", señala el comunicado.

"Me ha llamado el jurado y me alegro muchísimo. Me siento honrado, también porque el Príncipe de Asturias (de las Artes) ya lo han recibido personas muy destacadas y es además un buen mensaje para el cine", dijo el cineasta en conversación telefónica desde Bruselas, donde está presentando la ópera "Così fan tutte", de Mozart. 

Haneke, director, guionista y profesor de cine austríaco de origen alemán (Munich, 1942) empezó su carrera como realizador independiente en 1970, trabajó para el cine, el teatro y la televisión y cuenta con numerosos premios por unas obras de estética muy expresiva y provocadora que suelen generar controversia. 

Además de sus trabajos cinematográficos, dirigió las obras de Mozart "Don Giovianni" y "Cosi fan tutte", que fue estrenada en el Teatro Real de Madrid en febrero de 2013. 

Un total de 33 candidaturas optaban a este galardón, el primero en fallarse de los ocho que concede anualmente la Fundación Príncipe de Asturias. 

Los Premios Príncipe de Asturias, que este año alcanzan su XXXIII edición, están dotados con 50.000 euros (unos 65.600 dólares) y la reproducción de una escultura diseñada por el español Joan Miró y serán entregados en octubre por don Felipe de Borbón en el teatro Campoamor de Oviedo, en el norte de España. 

Además de Haneke y de Acosta, los otros tres finalistas eran el artista estadounidense Bruce Nauman, el compositor estonio Arvo Pärt y la artista y performer serbia Marina Abramovic. 

Haneke ganó la Palma de Oro de Cannes en dos ocasiones, por "La cinta blanca (Das weisse Band, 2009) y por "Amor" (2012), largometraje que le reportó además el Oscar a la mejor película en lengua extranjera y el César de la Academia de Cine de Francia. 

Hijo del director Fritz Haneke y de la actriz Beatriz Degenschild, estudió Literatura, Psicología y Artes escénicas en la Universidad de Viena y empezó su carrera como realizador independiente en 1970. 

Tras destacar también en la dirección teatral, su debut en la gran pantalla llegó con "El séptimo continente (Der siebente Kontinent)) en 1989, donde narraba la destrucción de una familia vienesa de clase media. 

Desde sus inicios, la muerte como generadora de violencia se convirtió en uno de los temas centrales de su obra, valiéndose de una estética muy expresiva y provocadora. 

En los siguientes años realizó "El video de Benny" y en 1997 exhibió "Funny games" en la sección oficial de Cannes, festival en el que ganó el Gran Premio del Jurado con "La pianista" (2001). 

En 2003 volvió al Festival para presentar la apocalíptica "Los tiempos del lobo (Le Temps du loup), que no compitió porque uno de sus protagonistas, el director francés Patrice Chéreau, presidía el Jurado. 

Con "Caché (escondido, 2005) ganó el Premio al Mejor Director en Cannes y con "La cinta blanca", la Palma de Oro de Cannes, el Globo de Oro a la Mejor Película de habla no Inglesa y el Premio a la Mejor Película Europea. 

En 2012 volvió a la competición en Cannes con "Amor", con la que ganó su segunda Palma de Oro, así como el Oscar a la mejor película en habla no inglesa y el César francés en cinco categorías: mejor película, director, guión original, actriz y actor, además del Premio de la Academia del Cine Europeo. 

Profesor de dirección en la Vienna Film Academy, cuenta con la Cruz de Honor de las Artes y las Ciencias de Austria (2007) y es comendador de la Orden de las Ciencias y las Letras de Francia (2010). Es Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid y, desde hoy, Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

"Las rosas. Pódelas una vez en septiembre, octubre, noviembre, diciembre y enero. Después déjelas crecer", pedía el escritor Ernest Hemingway a Pichilo, el jardinero de su casa de La Habana antes de partir hacia Europa durante el otoño de 1948. 

"Para descansarlas y hacerlas más fuertes", añadía a mano junto a las anotaciones a máquina. 

Estas instrucciones, junto a centenares de documentos y fotografías del autor, permanecían ocultos al mundo hasta ahora en Finca "La Vigía", donde residió el novelista durante su periodo en Cuba, y cuya conservación peligraba después de estar expuestos durante años al clima y los huracanes del Caribe. 

Su pasaporte expedido en el año 1934 para viajar a Francia y España, una carta a la actriz Ingrid Bergman o facturas de hotel de un viaje que realizó a Austria en 1925 ofrecen hoy "textura" a lo que se conoce sobre la vida del escritor, quien todavía es uno de los escasos lazos vigentes entre la isla y Estados Unidos. 

Gracias al trabajo de la fundación estadounidense que lleva el mismo nombre de su casa habanera, otros 2.000 documentos del artista se encuentran desde esta semana a disposición del público en formato digital en la Biblioteca John Fitzgerald Kennedy de Boston. 

"Este no es solo un trabajo estadounidense. No se hubiera podido llevar a cabo sin la colaboración del Gobierno de Cuba, por lo que estamos tremendamente agradecidos", dijo este lunes durante la presentación de los documentos el congresista demócrata James McGovern, quien deseó que esta colaboración sirva de ejemplo para mejorar las relaciones bilaterales entre ambos países. 

Cuba y Estados Unidos, que no tienen relaciones diplomáticas ni lazos comerciales formales desde la revolución de 1959, encuentran en Hemingway un fino hilo de unión, y es que las dos naciones lo consideraban un compatriota. 

"No podíamos esperar a que cambiara el clima político, la casa también se encontraba en malas condiciones, con goteras y mucho polvo", explicó la cofundadora de la Fundación Finca Vigía y nieta del editor de Hemingway, Jenny Phillips, quien descubrió su existencia en el año 2002 y se puso manos a la obra para su recuperación. 

Ya en el año 2008, la fundación donó a la Biblioteca JFK las primeras 3.000 imágenes que detallan la vida del premio Nobel en La Habana, a las que se suman estas nuevas 2.000 coincidiendo con el 60 aniversario de su premio Pulitzer. 

Grupos de expertos en conservación del papel y restauración de documentos han viajado durante años a la capital cubana para perpetuar el legado del autor de "El viejo y el mar" que, según la profesora Sandra Spanier, es de un valor incalculable para los expertos como ella, dedicados a dibujar una fotografía más nítida de la vida y obra del estadounidense. 

"Hemingway se fue de Cuba en 1960 pensando que volvería a su casa. Pero nunca lo hizo -explica Spanier, también editora del Proyecto Cartas de Hemingway-. Por lo que la casa estaba llena de sus cosas tras su muerte en 1961". 

Allí se encontraban sus zapatos o "el original del discurso que escribió al recibir el Pulitzer", escrito en español, en el que aseguraba que aquel galardón era un premio a todos los pescadores de Cuba. 

Sin embargo, pese a esta nueva publicación de documentos del autor, aún quedan en aquella casa cerca de 9.000 libros que pertenecían a Hemingway, muchos de ellos con anotaciones de su puño y letra en los márgenes cuya digitalización finalizará en unos cuatro años, según la fundación. 

Y es que tras más de dos décadas viviendo en aquella casa, el novelista construyó todo un universo alrededor de "La Vigía" sin el cual, a través de sus recuerdos, no podría entenderse quién fue realmente Ernest Hemingway.

La obra, de 29x39,5 centímetros y 676 páginas, cuenta con destacadas reproducciones de las pinturas del artista austríaco, así como cartas, tarjetas, escritos y otros documentos sobre el más destacado secesionista vienés, padre del modernismo pictórico. 

La continúa presencia de Klimt (1862-1918) en los medios de comunicación animó al historiador Tobias G. Natter a plantearse un libro como este, que contempla el conjunto de su obra en el contexto de sus contemporáneos. 

Natter considera que desde que el primer retrato de Adele Bloch Bauer se convirtiera en 2006 en el cuadro más caro de la historia, al venderse en Estados Unidos por 135 millones de dólares, el interés por el artista no ha decaído. 

En lugar de ello, "ha vuelto a quedar de manifiesto que su obra es lo suficientemente sustanciosa como para sobrevivir sin aparente esfuerzo a los más vertiginosos encumbramientos y a una popularización que no conoce límites", escribe el editor en el libro. 

Las innumerables exposiciones organizadas a lo largo de 2012 en su 150 aniversario dan cuenta de la actualidad y relevancia de Klimt aunque, recuerda Natter, no siempre estuvo tan presente en el ojo público. Muy pronto el artista alcanzó la categoría de estrella pero, después de unas décadas y de dos guerras mundiales, el mundo había cambiado considerablemente. 

"El Imperio austrohúngaro era ya solo un recuerdo y Klimt había pasado a ser el representante de un mundo ya desaparecido, o, en el mejor de los casos, el más destacado exponente del modernismo vienés", dice Natter. 

A partir de los años 60 se redescubrió la figura del artista tanto en exposiciones como en trabajos de estudiosos y en la actualidad Klimt "está más vivo que nunca", no solo en Europa y América, sino también en los países asiáticos. 

A través de la evaluación de los textos especializados de la época en que el artista estaba vivo, y en particular de la prensa diaria, se puede apreciar el contraste de pareceres de aquellos años. 

Este debate es una de las bases principales del catálogo pictórico que ofrece el libro y que va precedido por siete ensayos desarrollados a partir de los más recientes estudios en este terreno. La obra comienza con un texto de Rainald Franz y Angelina Pötschner centrado en la obra temprana del autor. 

Los otros textos abordan la Secesión vienesa, de la que Klimt fue primer presidente; el mosaico creado para el palacio Stocler de Bruselas, la influencia de las mujeres en la obra del artista; su pintura paisajista, y otros.